De suma importancia

¿Cuáles deben ser los principios impulsores de la creación literaria?

1. Usar tapones en las orejas, sobre todo si te has tomado la molestia de irlos a comprar como pretexto porque no podías escribir sin ellos.
2. Dormir cuando te da sueño y despertarte para escribir.
3. Dejar de escribir sólo cuando el hambre distrae demasiado o la comezón en la cabeza es tanta que urge tomar una ducha.
4. Leer más, siempre más. Y cuando un libro te aburra, no sentir culpa por dejarlo a medias.
5. Ver poca televisión y más cine, sobre todo películas que crees podrían ayudarte a entender mejor lo que escribes en ese momento.
6. Hacer caso de las ideas justo cuando vienen a la cabeza. Las ideas que se enfrían, después, ya no parecen igual de geniales.
7. Olvidarse, hasta el momento en que se consiga establecer una disciplina creativa, de lavar los trastes, tender la cama o hacer las compras.
8. Tener una libreta de notas y realmente usarla.
9. Ya no sé… Todavía no soy un maestro en creación literaria.

¿Qué hacías ayer por la calle vestido de rey?
Según tengo entendido, los reyes no visten de chándal y andan cabizbajos por la calle.
¿Qué la Pepa me vio? ¿Desde cuando los perros saben identificar un rey? Pobre animal, debió sentir lástima por mí. Se detuvo un instante a mi costado, mientras me secaba las lágrimas. Me revisé los bolsillos y no me alcanzaba para mimos. Se fue como excusándome la carencia.
Hablaba con mi madre, eso hacía.

¿Qué te pasó cuando saliste del pozo?
No he salido. Pero me parece ver la luz a lo lejos. Por suerte traía conmigo un manual para escritores budistas y presiento ya la iluminación. Quizá tenga suerte esta semana.

¿Por qué llevas un zapato y una zapatilla?
Uno hace lo que sea para intentar sentirse mejor.

¿Qué le decías a la mosca cuando los vi juntos?
Que me parecía muy mona. Que era tan bonita que me iba a inspirar en ella para escribir un cuento que empezara in media res aterrizando en un portentoso depósito de mierda humana, para luego hacerla volar hasta un restaurante lujoso y posarse, ella, tan mona, ya te digo, sobre la comida carísima de un fresa apretado. Luego el cuento dejaría a la mosca de lado hasta muy al final, y, aunque le prometí tan poco protagonismo, mí querida amiga la mosca aceptó encantada un trato que la inmortalizaría para siempre en mis ridículas pasiones: no morir hasta acabado el texto y ponerse histéricamente gorda antes de que comience a escribirlo.

¿Por qué llevas la olla en la cabeza?
Para hacer reír a mi novio. Es que nos peleamos ayer. No, antier, no… espérate. Déjame hacer memoria.

¿Para qué te sirve la literatura?
De momento, para angustiarme. Me queda un mes, UN MES. Se supone que trabajo bien bajo presión, pero… ¡Chingao!
A veces, me sirve para contestarme algunas preguntas. Pero siempre termina por crearme más dudas.
No sé, ¿tú dime, sirve?
La última semana me ha servido para llenarle de traumas el buzón de correo electrónico a mi madre.

¿Qué me dijiste que soñabas sobre México?
Quisiera acordarme lúcidamente… No sé. Tal vez revivía alguna comida familiar, un evento similar. Me sentía confortado, enteramente familiarizado con todo a mí alrededor. Lamenté mucho haberme despertado por los timbres agudos que tienen las voces de mis vecinas andaluzas.

¿A qué saben los caracoles?
Rico. A otro bicho de mar bien cocido y muerto.
La Toñi (una vecina y amiga) nos invitó una tapa. Cocinados muy a su manera, algo picositos, nadando en un caldo bastante sabroso. Servidos para comerse puede vérseles antenas y cuerpos arrugados saliéndoles por las conchas. Dudé en probarlos, la verdad. Continuaba imaginándomelos babosos, arrastrándose por el suelo y dejando una estela plastificada y brillante.
Haciendo un esfuerzo, respiré profundo y me permití olfatear el plato. No olía nada mal para un alimento que antes era pura babosa y muy probablemente salada lentitud, se me abrió el apetito. Escogí uno, como si intuyera que podía saber menos mal que cualquiera de los ochenta otros, y, siguiendo las instrucciones de pillarlos por la cabeza y succionar hasta arrancarlos por completo de su concha, degusté el primero. Sonreí.
¿Sabes qué son más ricos aún? Los mejillones que prepara mi novio. Dice que pretenden ser “a la marinera”, pero da igual. Los lava y vaporiza con muy poca agua, aceite de oliva, mucho ajo picado y algunas especies. Saben a gloria del mediterráneo recién sacados de la cacerola, aún humeante, si se les adereza con unas gotas de jugo de limón.
¿Y sabes qué platillo es más rico todavía? El adobo de merluza. Lo probé por primera vez ayer, en un bar cercano a casa que atiende hasta muy noche. Me dijo mi novio, que es el Sensei de la comida, que el pescado se aliña en vinagre antes de rebosarse y freírse.

¿De qué color era tu sonrisa el último de tus días?
De pronto te pusiste extremadamente fatalista, ¿no?

¿Cuándo me dijiste que ibas a volver a nacer?
En el momento en que apriete el botón de enviar del correo electrónico que tendrá adjunto el borrador completo de Pasiones simples para que Antonio Gala y Ana D´Atri lo leean.
Y después de eso vuelvo a nacer, con regularidad exacta, cada 23 de agosto. Luego puede que renazca varias veces más, pero todavía no lo vislumbro.

¿Qué le querías decir a tu libreta de anotaciones cuando la mirabas hace un momento?
Que le tengo una envidia terrible. Hubiese querido ser una libreta en blanco que espera ser llenada de ideas brillantes.

¿Recuerdas las palabras que todavía no entiendes?
No. Tengo mala memoria para lo nuevo muy nuevo. Me acuerdo de una palabra que hace poco todavía no entendía: encimera.

¿Cuándo fue la última vez que estabas tan convencido?
Nunca había estado tan convencido de nada en toda mi vida.
Sí quiero. Acepto. Me muero de ganas…

¿Cómo se llama el protagonista del cuento que dudas terminar pronto?
Matías.

El cuento según Mónica Lavín

Israel Pintor y Carla Hinojosa

¿Qué es el cuento?

Para mí el cuento es una experiencia de intensidad. Es un género adrenalínico porque no hay concesión, es una sacudida fuerte donde toca a lector descubrir su parte profunda.

El cuento es como un alka-seltzer; es algo comprimido que lentamente va soltando su efervescencia. Entonces el reto como escritor es poder hacer ese comprimido eficaz  que posea, además, una resonancia.

Como lector yo también le pido eso a los cuentos, que no me dejen indiferente, que se vuelvan entrañables, inolvidables y no es fácil. Uno lee muchos cuentos pero de repente encuentras uno y resulta que es una marca que se queda en la piel; la maravilla es la posibilidad de capas de lectura que posee.

¿Con qué otras voces de la cuentística te identificas o familiarizas?

Sin duda diré Rulfo, porque no puedo no decirlo; la música de sus textos, esta prosa tan exacta y musical, tan contenida me gusta mucho.

Me gustan el trabajo de mujeres como Elena Garro, Inés Arredondo, Guadalupe Dueñas  y Amparo Dávila, y las siento poco valoradas. Me gusta mucho José de la Colina; Gerardo de la Torre me parece que tiene mucho poder en la estructura de cuento porque maneja la técnica de manera impecable.

En los años 50 el cuento también se nutria de los autores norteamericanos, Poe, Fulkner, pero también de Chéjov y los demás rusos: siento que el nutrimento cuentístico de mi generación y la predecesora son los clásicos del siglo XIX y el cuento latinoamericano,  estamos hechos con ese vigor, con ese brío pero también con lo que sucedía en Estados Unidos.

En E.U. existe una gran tradición con el short store, porque viene de Poe y lo han labrado durante mucho tiempo. Podemos darnos cuenta cuando leemos a Hemingway y a muchas otras voces norteamericanas como las mujeres sureñas. Casualmente creo que hay un puente entre Amparo Dávila, Guadalupe Dueñas y estas mujeres  como Carson McCulers, Leonora Weltin, Flannery O´Connor, porque hay una estética y percepción del mundo muy semejante.

Juan José Arreola me gusta por su estrategia, por su elegancia, siento que es un impecable constructor del cuento, pero la veta lírica me emociona más.

Siento que el cuento es muy vigoroso en México: en cada generación hay cuentistas notables y no todos se quedan cultivando el cuento, a veces lo abandonan. Sin embargo creo que sí hay cuentistas que valen la pena como Enrique Serna; Amores de segunda mano me parece extraordinario.

La mirada sarcástica, irónica, ya viene en autores como René Avilés, Francisco Hinojosa, Rosa Beltrán y Ana García Bergua, que seducen mi gusto igual que Beatriz Espejo, con su prosa elegante y sus temas, tan delicada y fina.

Siempre busco en los cuentos la existencia de una revelación, no por la estridencia de la anécdota sino por una emoción que se deja ver como en Chéjov, el gran maestro. Creo que Hernán Lara Zavala tiene algo chejoviano que me gusta.

Algunos jóvenes que me gustan y disfruto son Luis Felipe Lomelí y Alberto Chimal.

¿Qué diferencias encuentras de forma y fondo entre los cuentos clásicos y actuales mexicanos?

La generación de Gerardo de la Torre estaba más preocupada por las utopías que quería construir y  por las que se desmoronaban, por  mitos e ídolos, por cómo ese mundo se iba poblando y despoblando de ellos.

Aparece después el tratamiento con humor o humor negro como una búsqueda de salvación, de encarar algo que duele con una mirada distinta; tal vez esto se deba en gran medida porque los nuestros son tiempos de más desencanto, de mayor hedonismo e individualismo. Los proyectos políticos individuales o colectivos difícilmente son un tema que encuentras en los cuentistas actuales. El tema del amor y una relación ha sido una constante.

Me parece que una de las diferencias notables en la cuentística mexicana es “de lo rural a lo urbano”; casi no hay cuentos que estén desarrollados en ámbitos rurales porque México se volvió urbano.

Encontramos hoy muchos más temas que tienen que ver con las fronteras, aquellas relacionadas con la trasgresión de los límites y el cosmopolitismo, el sexo por ejemplo.

Los cuentos ya no necesariamente ocurren en México o son mexicanos en el extranjero. ¿En dónde soy extranjero? ¿Soy extranjero en la relación de pareja? ¿Soy extranjera en una situación ajena a mi cotidianeidad? Los cuentos ahora tienen que ver con lo cotidiano –exceptuando al cuento negro o policiaco- con la gente común y lo que a ellos les sucede.

¿Crees que el cuento mexicano clásico y actual se permea del contexto sociocultural en que fue escrito o se escribe?

Creo que toda la literatura pos revolucionaria ve al individuo en el centro: el individuo y sus flaquezas, sus grandezas. Sobre todo esta sensación de antihéroe que tiene el cuento, porque la historia no se desarrolla alrededor del fregón, normalmente se ubica con el marginal volviéndolo figura central. Creo que esto nos hace ver cómo las pequeñas desdichas son las grandes tragedias del hombre, no sólo de ese personaje, sino de la humanidad.

A pesar de que la estética en los cuentos de Arreola sea otra situación, no podemos ver en ellos un cuento social; él está mucho más preocupado por el hombre moderno.

Villoro habla de los personajes en su vida contemporánea, con sus pequeñas o grandes desolaciones  y sus pequeños o grandes esfuerzos por sobrevivir de la mejor manera.

Me aventuro a decir que el cuento es el que puede mirar con mayor claridad el absurdo de la existencia: cuando lees los cuentos de Serna, puedes ver una mirada crítica, pero no de denuncia.

Un ejemplo muy gráfico del absurdo es Rosa Beltrán con sus Amores que matan, libro que pone énfasis en nuestra preocupación por la imagen. Y es que ya vivimos un mundo preocupado por el éxito, la imagen, lo instantáneo, lo esotérico, la felicidad rápida, aún cuando nuestro anhelos siguen siendo los mismos aunque la forma haya cambiado.

Técnicamente hablando ¿La inmediatez que vivimos en prácticamente todos lados, ha hecho que los escritores actuales descuiden la forma respecto de los cuentistas clásicos?

Creo que el cuento es uno de los géneros más limpios. Un buen cuentista solo funciona si controla su texto, si lo sabe escribir, si amalgama el tono con el que está contando. Debe saber decir lo suficiente y detenerse a tiempo. En este sentido creo que el cuento es muy exigente y la calidad se ha mantenido. Con el cuento hay un compromiso artístico porque se está apostando a la revelación, a la sugerencia, no a la obviedad.

En el cuento se exploran formas que tienen que ver con los recursos de la palabra escrita. Por ejemplo, Francisco Hinojosa tiene un cuento que está numerado, él juega con el empaque sin perder de vista la estructura de ley; planteamiento, clímax y desenlace. Cada cuento pide su tono y su perspectiva.

Puedo afirmar que en el cuento es más difícil experimentar por su carácter canónico por ello difícilmente vemos mucho cuento experimental.

¿Los cuentistas actuales están más preocupados por tener un espacio en el campo literario, que por la calidad de sus cuentos?

Cuando llegas a las editoriales con cuento, te piden novela. El cuento es visto como el patito feo, con el cuento no ocurre el éxito editorial que sí con la novela.

Los espacios para publicar cuento son reducidos; algunas revistas o suplementos lo hacen pero con restricciones regularmente relacionadas con la brevedad.

Existe una tendencia a la brevedad pero también hay quien escribe cuentos muy largos, creo que esto coexiste. En el cuento está pasando de todo, aunque la brevedad es algo muy latinoamericano.

¿Notas algo diferente en la técnica que utilizaron los cuentistas clásicos respecto a la que utilizan los cuentistas actuales mexicanos?

Algo que veo es una posibilidad de entrar mucho más directamente. In media res. En medio de la acción. Narrar la acción sin pre-ámbulo. Creo que ahora el cuento tiene esta posibilidad de hibridar con los géneros periodísticos.

Empezar in media res es parte de una efectividad propia del siglo XX porque el marco del cuento se delimita; ahora el asunto, desde su momento más intenso, se ubica en el centro del cuento. Y aunque Rulfo ya utilizaba este recurso creo que los cuentistas actuales recurren al in media res permanentemente.

Esta idea me permite reafirmar que desde los 50 hasta nuestros días no observo grandes cambios técnicos: existen cambios de temas relacionados con el entorno en que vivimos, encuentro mucho menos preocupación por lo mexicano y mucha más capacidad de asimilar las tradiciones literarias de otras latitudes. Ahora existen más redes con las literaturas del mundo y esto nos permite conocer la gran cantidad de estilos que coexisten en este momento, por ello, no veo un rasgo técnico tajante.

Aunque, sí existe ahora una ironía de la mirada teñida por una búsqueda que nos permite sacar a los personajes de la soledad o a nosotros mismos: encontrar el sentido de la vida a través de una mirada poco solemne. Ahora somos capaces de reír de nuestras formas y fondos. Tal vez la ironía sea el sello de la época, no así la experimentación con recursos literarios para empacar el cuento.

¿Cuál fue el pretexto para escribir La sobremesa[1]?

Había hecho un viaje en el que crucé Canadá por tren en compañía de periodistas de gastronomía: siempre hablar de texturas, olores, formas, hablar de algo desconocido hizo que me fascinara por la gastronomía. Creo que es el mundo de la sensualidad.

Y mientras escribía artículos, quedó en mí un sentimiento que dio para este cuento.

En “La sobremesa” me interesaba plasmar al personaje que se dedica a experimentar sabores. Por otro lado, ella, la protagonista, tal vez sea mi azar,  mi reflejo, porque yo me subí a ese tren un poco por azar. El asunto de “La sobremesa” revela algo complejo; la necesidad de importarle a alguien.

Nota: Entrevista realizada una bella tarde del 2007, en el centro de Coyoacán, D.F.
Las preguntas realizadas en esta entrevista responden al interés que por entonces tenía sobre el cuento y, sirvieron como anexo de Los suyos y los nuestros, el cuento mexicano, exponentes y evolución, tesis de licenciatura con que me gradué.

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[1] Cuento incluido en Uno no sabe, Plaza & Janés, 2003.

Ideas sobre el cuento según Joel Flores

Escribir es siempre ponerse en el lugar del otro.

Presento, a continuación, las ideas más representativas sobre el cuento y su escritura, expresadas por Joel Flores en 2007, a petición de entrevista, con la finalidad de obtener su colaboración en Los suyos y los nuestros, el cuento mexicano, exponentes y evolución, tesis de licenciatura con que me gradué. La entrevista, de la que se desprenden las siguientes ideas, fue realizada junto con Carla Hinojosa.

“Percibo el cuento desde la perspectiva chejoviana que propone ver el cuento como el brillo de la luna reflejado en una cuenca de vidrio. Lo que halla a su alrededor no importa, lo que importa es la captura del instante.”

“El cuento tiene como finalidad contar una historia apostando por la fabulación. Con el cuento se puede experimentar de múltiples maneras, pero lo que siempre importa, y eso lo aclaran clásicos como Calvino, es la concisión y la velocidad con que se maneja.”

“El cuento es un género en constante movimiento: en México se sigue experimentando  con la manera de contar la historia, con los temas, con la intertextualidad (presente en la generación de los 70), la metatextualidad.”

“No me parece que el microrrelato sea resultado de un experimento, tampoco creo que sea un ejemplo de la flexibilidad que el cuento tiene. En este momento recurro a las teorías contazarianas expuestas en `Paseos por el cuento´; el microrrelato no llega a ser más que una imagen poética. Si vemos el cuento como una pompa de jabón: redonda, perfecta, brillante, traslucida, caeremos en cuenta de suponer al microrrelato como sólo un destello de esa pompa de jabón.”

“Yo prefiero apostar por un cuento con una trama bien planeada, una historia sorprendente, que arriesgue, que atrape, que confunda, y por un final que asombre. Por ejemplo, en `El amor nos dio cocodrilos´, cuento la historia de una pareja que adopta a un cocodrilo como hijo. Cuando lo escribí estuve muy seducido por los temas extraños y fantásticos, quería conectar esos temas lo más posible a la realidad y lo logré porque en ese tiempo comencé a ver el aborto muy cercano, como algo duro, temible y hasta descarnado, tanto para la madre como para el producto. Apuesto por cuentos que dicen cosas profundas, sorprendentes.”

“El cuento, según Chéjov, era técnica; una historia y 2 o 3 personajes. Luego viene Poe y entra el artificio; ahora no sólo se cuenta una historia en un cuento sino dos historias, lo que ya conocemos como historia subterránea.”

“Como decía Pier Giraud, en la literatura todo está hecho y dicho, lo único que se hace es repetirlo, porque nadie puso atención. El estilo es el hombre, el estilo siempre es el cómo, el cómo es un hombre, según Barthes, la escritura es el hombre, Bajtín afirma que el hombre se hace de muchos hombres. Entonces la característica más importante a lo largo de los cambios históricos del cuento es el cómo se dice. Los temas siempre son los mismos; amor y muerte, eros y tanatos, lo único que cambia es la voz. En México, por ejemplo, muchos cuentistas están retomando algunas cosas ya dichas y hechas en la literatura mexicana de medio siglo; la ambigüedad de Amparo Dávila, por ejemplo es muy vista en algunos cuentos de Cortázar.”

“Soy partidario de tener un pie en el pasado y otro en el presente, como Borges. Es decir, leer a los clásicos y a los actuales. Tal vez esta situación es que en el cuento posmoderno este rasgo se hace más evidente: retomar los temas clásicos para convertirlo o adecuarlos  a nuestra realidad inmediata.”

“Me gusta la literatura que tiene la capacidad de trastocar la visión que el lector tiene del mundo: cuentos que desesperan, que hacen odiar o simpatizar a un personaje.

“Creo que un escritor, por más que lo niegue, siempre es y será un cazador de instantes; el reto es capturarlos y ponerlos al tono de no volverlos hechos burdos y cotidianos, porque un buen escritor es el que tiene un pie en los libros y otro en la calle.”

“Vila-Matas, Amparo Dávila, Oscar de la Borbolla, Enrique Serna, Rodrigo Fresán, Álvaro Enrigue, Bioy Cazares y Julio Cortázar, son algunos de mis autores favoritos.”

Virtuosos británicos interpretan a Vivaldi

• La Serenissima se presentará en la Sala Nezahualcóyotl con repertorio del maestro italiano

Por Israel Pintor

DISTRITO FEDERAL, México, 13/11 (N22).- La Serenissima, ensamble de música barroca dirigido por el violinista Adrian Chandler, se formó en 1994 con motivo de la representación de La Senna Festeggiante de Vivaldi. Esta agrupación es actualmente una de las más reconocidas en la escena musical de Europa y el Reino Unido por interpretar las más singulares composiciones, y es considerada gran exponente de la música de Antonio Vivaldi (1678-1741), así como de algunos de sus contemporáneos italianos.

El ensamble ofrecerá un concierto en la Sala Nezahualcóyotl del Centro Cultural Universitario (Insurgentes Sur 3000, C.U.) el próximo 16 de noviembre en punto de las 12 PM, con el programa “Vivaldi y el gusto francés”, que incluye una selección de obras y conciertos para violín, fagot y flauta. Esto, gracias al esfuerzo de la dirección general de música de la UNAM y The Anglo Mexican Foundation.

Además de los conciertos, los músicos Katy Bircher (flauta) y Joseph McHardy (clavecín), así como Adrian Chandler, ofrecerán clases magistrales, en sus especialidades, los días jueves 13 y viernes 14 de noviembre de 10 AM a 6 PM, en la Escuela Superior de Música. La entrada a estas clases es libre para alumnos de música de todo el país.

Luego del primer día de clases que estos músicos impartieron el día de hoy, la Agencia de Noticias 22 tuvo la oportunidad de conversar brevemente con Adrian Chandler.

-La Serenissima es actualmente muy reconocida por la singularidad de sus composiciones. Desde tu punto de vista, ¿qué elementos construyen la particularidad que configura el éxito de la agrupación?

-Muchas agrupaciones británicas interpretan la música barroca y lo hacen muy al estilo británico (de una manera demasiado solemne). Pero Vivaldi era italiano, único en sus formas, sus técnicas, un violinista fantástico. Un tanto más loco que otros músicos, pero estaba lleno de pasión. Su música era un verdadero canto lleno de colores, adoraba el ritmo. Nosotros intentamos no ser una agrupación británica que toca la música de Vivaldi al estilo solemne que caracteriza a los británicos. Esa debe ser nuestra particularidad.

-El ensamble ha tenido la oportunidad de presentarse en grandes escenarios de Europa y el Reino Unido con un éxito rotundo, ¿cómo te sientes de presentarte en México y cuáles son tus expectativas con el público mexicano?

-La audiencia británica es muy silenciosa, insisto, demasiado solemne. Espero que el público mexicano disfrute mucho el concierto y lo asimile de otra manera, tal vez mucho más apasionada. Sé que el público mexicano suele entregarse mucho con el artista, estoy muy interesado en conocer esa pasión que caracteriza a la audiencia mexicana, espero que no sean demasiado callados.

-Has sido calificado como un virtuoso violinista. ¿Qué le podrías aconsejar a los jóvenes músicos para alcanzar el éxito y reconocimiento que tú has alcanzado? ¿Qué se necesita para ser un violinista virtuoso?

-Soy muy afortunado porque todos mis profesores han sido geniales, ellos son los verdaderos virtuosos. Ellos pueden tocar lo que sea, no sólo el estilo barroco del violín. Mi técnica proviene de los maravillosos conocimientos adquiridos de mis valientes profesores. Ellos me enseñaron que la música es calidad y esa calidad requiere de mucha pasión. A la música hay que sentirla para enseñarla y, sobre todo, para interpretarla. Lo único que puedo sugerirle a los jóvenes músicos es nunca dejar la práctica y la pasión por la música.

El diario londinense The Independent, aclamó las recientes interpretaciones de las “Cuatro Estaciones de Vivaldi”, ejecutadas por La Serenissima en Venecia, Londres y Glasgow. La agrupación ha participado en recitales y conciertos para la BBC en Londres, Glasgow y Belfast, así como en muchas presentaciones de música orquestal de Vivaldi a lo largo y ancho de Europa. Además, actúa con regularidad en festivales como los de Lichfield, Warwick, Southwark, Spitalfields, Brujas, Beverley y Copenhague.

Adrian Chandler ha sido calificado por la crítica internacional como un virtuoso de su instrumento. El violinista nació en Merseyside, Inglaterra, en 1974, y estudió tanto violín barroco como moderno en el Royal College of Music, con Rodney Friend y Catherine Mackintosh. Fundó el conjunto La Serenissima cuando aún era estudiante y lo dirige desde entonces.

Además de su trabajo con La Serenissima, Chandler ha dirigido a muchos conjuntos ingleses de música antigua, Musicians of the Globe, los Gabrieli Players, la Classical Opera Company, el Avison Ensemble, Concerto Caledonia y New London Consort. Las interpretaciones de Chandler han sido difundidas en los más importantes medios masivos del Reino Unido, Europa y el Japón. Su discografía incluye sonatas para violín de Marini, Vivaldi y Veracini.

El concierto de La Serenissima el próximo domingo tendrá un costo de $200.00 y $130.00 pesos. Los boletos están disponibles en las taquillas de la Sala con el 50% de descuento personal a maestros y estudiantes en general; ex alumnos y trabajadores de la UNAM; y jubilados del ISSSTE, IMSS e INAPAM con credencial vigente. Más información al número 5622 7113 y en la página www.musicaunam.net

El programa de este concierto incluirá el Concierto alla francese en fa para cuerdas y continuo RV 139; el Concierto en sol para violín, cuerdas y continuo RV 321; Movimientos de concierto en do para fagot, cuerdas y continuo RV 468; Movimiento de concierto en mi para flauta, cuerdas y continuo RV 432; el Concierto en sol para flauta, cuerdas y continuo RV 438; el Concierto en fa para flauta, violín, fagot y continuo RV 100; el Concierto en sol menor para cuerdas y continuo RV 157; el Concierto en fa para fagot RV 488; y el Concierto en re para violín, cuerdas y continuo RV 211.

08/MAG

Publicado en Noticias 22

Un demonio domesticado en blanco y negro

• Se exhibe la obra de grabador mexicano Sergio Sánchez en la galería del Seminario de Cultura Mexicana “Francisco Díaz de León”

Por Israel Pintor

DISTRITO FEDERAL, México, 10/11 (N22).- Nacido en 1976 en Tlayacapan, Morelos, Sergio Sánchez Santamaría es un artista plástico egresado de La Esmeralda. Ha expuesto de manera individual: “Grabados” en la galería Gráfica y “Libros la Estampa”, en la Zona Rosa en 2006 y, “10 años de Gráfica” en la Galería de Arte de la Universidad Autónoma Metropolitana, Plantel Iztapalapa, en el año 2008. De manera colectiva ha participado, desde 1999, en diversas exposiciones realizadas en Suiza, Macedonia, los Estados Unidos, Japón, Yugoslavia, Polonia, Italia, Cuba y, por supuesto, México.

En 2008, obtuvo una Mención de Honor de parte del Comité Olímpico Internacional de Lausana, Suiza. En 2007 gana el Premio de Gráfica del Comité Olímpico Mexicano. En 2003 recibe una Mención Honorífica en el Concurso de Jóvenes Pintores del Circo Volador en el Distrito Federal, y en el 2000 obtiene Mención Honrífica en la sección de dibujo en el 20th Grand International Public Youth Contest, en Gante, Bélgica.

“Sergio no es un principiante ni un aficionado al grabado, sino un artista serio, meticuloso que quiere expresarse a través de un arte depurado, firme, fino, gustoso. Maneja con aptitud varias técnicas y no desmaya en producir mejores elementos que su talento y técnicas permiten. No es perezoso ni carece de impulso creador, posee imaginación y habilidad técnica que con el tiempo se acrecentarán”, así lo expresó el doctor Ernesto de la Torre Villar al reseñar la obra de Sánchez en el programa de su más reciente exposición: ?El demonio domesticado?.

Compuesta por 35 obras propias y 5 ajenas “recién elaboradas”, esta exposición se inauguró al mediodía de hoy en la Galería del Seminario de Cultura Mexicana “Francisco Díaz de León” (ubicada en Presidente Masarik 526,esq. Bernard Shaw, Col. Polanco), y permanecerá abierta al público de manera gratuita hasta el próximo 30 de noviembre.

En el evento de inauguración participaron artistas plásticos, músicos y una cantante, todos, amigos cercanos a Sergio Sánchez Santamaría. En la realización de dibujo participaron Ricardo Rodríguez, Juan Rodríguez Méndez (Daenomicus), Fernando Cid Reyes y Hernán Cortes Meneses. En el evento musical que se llevó a cabo como parte del programa de inauguración, participó la banda Veneno de Euterpe, integrada por Georgina Vertti, Jafet Molina, Orvelin Osorio, Andrea Ramírez y Guillermo Espinoza.

La Agencia de Información Cultural N22 sostuvo una entrevista con Sergio Sánchez Santamaría durante este evento:

-¿Además de dedicarte a las artes plásticas, a qué te dedicas?

-Vivo de mi obra y de dar clases públicas en el Circo Volador y privadas en un pequeño taller de grabado en mi casa. Quien esté interesado, que se comunique conmigo.

-La obra que expones aborda muchos temas. Veo muchos elementos incrustados en cada obra, esto le da un carácter muy diverso. ¿Si pudieras describir el concepto general de tu obra, qué dirías al respecto?

-Primeramente. Mi obra es una cosa muy narrativa y figurativa que me permite desarrollarme a partir de elementos muy reconocibles. Cómo los manejo y cómo los voy distribuyendo, eso lo veo a partir de la necesidad particular de cada obra y el momento preciso en que el trabajo. Lo que le da unidad es su carácter monocromo, su peculiaridad en la técnica y cuestión gráfica del dibujo.

-¿Por qué utilizas más el grabado para realizar tu obra? ¿Qué encuentras en esta técnica que te permite, de alguna manera, expresarte mejor?

-Siempre he creído que hay muchos pintores. Además, el color no es lo mío. En el dibujo y el grabado hay menos creadores y los que hay son muy reconocidos por su misma singularidad. Esta técnica se presta mucho para expresarme de una manera muy personal. Para mí el dibujo es fundamental. Si mis grabados fueran pinturas, no tendrían el mismo impacto; serían tibios. Los contrastes entre blancos y negros me permiten acentuar la intensidad y ponerla acorde con los temas que abordo. A mí me fletea mucho el grabado alemán del siglo XV y el grabado mexicano de Las décadas de 1940 y 50.

-Noto que, entre muchos otros temas, abordas el de la muerte de manera acentuada. Desarrollas aspectos de la cultura punk, prehispánica y africana. Realizas una especie de crítica al absurdo del fanatismo y una fuerte autocrítica, entre otros aspectos temáticos de tu obra. ¿Cómo es que estos temas te han influenciado para que ahora vengas a exponernos por medio de tu obra?

-No he tenido la oportunidad de conocer mucho el mundo. Pero sí he podido recorrer ampliamente el país. Y aunque mi obra tiene un carácter muy nacionalista, siento que tiene elementos de carácter universal. Mi obra toca otras tierras, otros tiempos, otras culturas. Retoma mucho a personajes oscuros porque es como yo mismo soy; de esa manera me identifico y así confronto diariamente mi mundo.

-¿Si no te hubieras dedicado a las artes plásticas, a qué te dedicarías ahora?

-En el alma llevo un músico frustrado. Tengo varios instrumentos que son más bien adornos, nunca los uso.

-¿Por qué el título de la exposición, por qué “El demonio domesticado”?

-¡Qué bien que preguntas eso! Fíjate que en Internet hay una página que no recuerdo cómo se llama, en ella se publicó un artículo que me critica muy fuerte, el artículo se tituló demonio domesticado. Este artículo no deja concesiones a mi obra, dice que no trasciende, que es otra más, etcétera. Y yo siempre he dicho que hay que hacerles más caso a los enemigos que a los amigos. Algo que esta crítica me hizo ver es que mi obra antes era más intensa, era un golpe frontal, una propuesta súper oscura y agresiva. Con el tiempo se ha ido suavizando, no ha perdido ese carácter incisivo, pero es mucho más tranquila.

Sergio Sánchez Santamaría tiene un blog que puedes visitar en la siguiente dirección: www.sergiosanchezsantamariaexlibrismexico.blogspot.com Si deseas ponerte en contacto con el artista, escríbele a: covenante_76@hotmail.com

08/MAG

Publicado en Noticias 22

Amparanoia: una vida de sueños y militancia

• La banda oriunda de Barcelona termina su gira de despedida en México. Se presentarán en el Foro Alicia y en el Lunario del AN

Por Israel Pintor

DISTRITO FEDERAL, México, 05/11 (N22).- Luego de deleitar auditorios en Europa y América Latina por más de 12 años y haber editado seis discos, Amparanoia, banda barcelonés pionera en la música mestiza, liderada por Amparo Sánchez, realizará en México los últimos conciertos de su gira de despedida “La vida te da”. Así lo anunciaron la tarde de ayer en una conferencia de prensa y mini show realizado en el Foro Alicia (Cuauhtémoc 91-A, Col. Roma).

Esta banda defensora de los derechos de la mujer, amante de la cultura mexicana y colaboradora eventual con la otrora Manu Chao, se presentará el próximo viernes 7 de noviembre en el Lunario del Auditorio Nacional de la ciudad de México, en punto de las 9 PM; y el domingo 9 de noviembre en el Circo San Cris Fest de San Cristóbal de las Casas, Chiapas, a las 6 de la tarde noche.

Para Amparo Sánchez “México es un país con el cual está muy ligada la banda por razones culturales, históricas, musicales, anímicas y donde ya se había presentado para el Festival del Centro Histórico y el Foro Alicia hace unos años”, motivo por el cual, deciden terminar su gira de despedida en este país.

Amparo cuenta, en exclusiva para la Agencia de Información Cultural Noticias 22 (www.noticias.canal22.org.mx), cómo ha sido su camino hasta el punto en que se encuentra actualmente su carrera, por dónde podría encaminarse ahora y por qué decidió terminar con la banda:

“Amparanoia empezó con el deseo de cantar, de comunicar, sacar lo que llevaba dentro. Empecé muy jovencita con el blues, el rock and roll y el jazz, hasta que un día me fui a Madrid y soñé el proyecto de una banda que mezclara distintos géneros musicales y buscara el punto en común entre diferentes culturas. En 1996 grabé mi primer álbum (El poder de Machín) y fue el álbum de la inocencia y la inseguridad, nunca pensé que iba a llegar a tanta gente. Tuve un gran padrino que me abrió la puertas en todos lados: Manu Chao”.

Después de la edición del primer álbum de Amparanoia, la banda se desarrolló de una manera muy intensa musicalmente hablando. Participó, con sus consecutivos cuatro discos, en los más prestigiosos festivales internacionales de música, entre los que vale la pena mencionar Glastonbury, Rock In Rio y Festival Of World Cultures. En 2006, durante su gira “Bembe”, fue ganadora del premio que otorga la BBC de Londres en la categoría Europa.

-¿Qué sigue ahora en la carrera de Amparo Sánchez, cuáles son tus próximos proyectos?

-Mi siguiente proyecto llegó por la necesidad de cerrar un ciclo, una etapa. Para despedir un repertorio de canciones y poder seguir creando y creciendo como compositora, como intérprete. Necesitaba una evolución y empecé a escribir un grupo de canciones en las que no veía mucho de esta fusión realizada en Amparanoia, sino que veía que era la voz, el gesto y pocos instrumentos más lo que quería comunicar. Así que me despido de la banda para hacer otra propuesta más acústica, más íntima. Pienso que con Amparanoia se han cumplido todos los sueños y más.

-Háblanos un poco sobre tu sentir al despedirte de Amparanoia en México ¿Por qué ha sido significativa tu participación en nuestro país?

-Yo empecé a cantarle a México antes de conocerlo. En mi primer álbum incluí una canción ranchera y yo nunca había estado en México. Me siento muy atraída por la historia y la cultura de este país. Desde mis comienzos con la banda me parecía un país impresionante y me lo parece aún más ahora. Acabar en México ha sido un regalo.

Para mí es muy importante terminar aquí la gira, porque es un país al que le llegó mucho mi música y en el que he vivido un montón de experiencias que influyeron en mis letras y melodías.

-Por medio de tu obra con Amparanoia has destacado la lucha contra los derechos de la mujer y el apoyo al Ejército Zapatista de Liberación Nacional (EZLN). ¿Continuarás realizando este tipo de activismo en tu nueva etapa musical?

-Conocí al EZLN cuando llegué a vivir a Madrid. La historia de este gran movimiento social me prendió inmediatamente. Con Amparanoia toqué en el primer concierto contra el neoliberalismo y la globalización en Madrid y ese fue mi primer encuentro fuerte con el zapatismo. Desde entonces me ha sido imposible no colaborar con esta causa, honestamente me siento zapatista.

Con respecto a mi lucha a favor de los derechos de la mujer, así continuaré. Me siento una representante de la mujer por medio de mi labor. Liderar una banda ha sido muy impactante en muchos países y me ha permitido apoyar esta otra causa. Independientemente del nombre con que se represente mi obra, seguiré por este camino, eso ya lo trae uno adentro.

El último álbum de Amparanoia, La vida te da, ya está a la venta en el Foro Alicia. Incluye, además de nueve tracks inéditos, cinco bonus tracks con nuevas versiones de algunos de sus más grandes éxitos y un DVD con el making of del disco. Para conseguirlo asiste al Foro o escribe un correo a: foroalici@hotmail.com

08/MAG

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Una flaca que baila de México hasta Alemania

• Se presentó ayer, por única ocasión, “La danza de la muerte” de Shanti Oyarzábal. Una puesta en escena que muestra la perspectiva que de la muerte se tiene en México y en Europa

Por Israel Pintor

DISTRITO FEDERAL, México, 05/11 (N22).- Creada y ejecutada por Shanti Oyarzábal, actor mexicano de teatro corporal radicado en Berlín, La danza de la muerte se presentó por única ocasión, ayer por la noche, en el Multiforo Ollin Kan (Av. San Fernando esq. Juárez, Centro de Tlalpan), al sur de la ciudad de México.

Rodeado por la luz que emana de una larga hilera de velas y cientos de pétalos y flores de cempasúchil, con su delgado cuerpo “expuesto a más de dos horas de maquillaje para adquirir la textura y tonalidad de una pieza de barro recién desenterrada”, una máscara de porcelana que le diera identidad como “la flaca” y diversos movimientos dancísticos, Oyarzábal transmite las características que los vivos asociamos a la figura de la muerte como la vejez y la falsa fragilidad de un cuerpo tembloroso, que es a la vez insaciable, pues nunca se cansa de recoger a sus víctimas y lo hace muchas veces de manera impredecible.

La danza de la muerte es un espectáculo de aproximadamente 20 minutos de duración, apoyado firmemente en la mitología prehispánica mexicana e inspirado en las danzas de antiguas deidades, cuya ejecución se arraiga en la tradición del culto a la muerte.

La música en esta puesta corrió a cargo de Tribu/Jorge Reyes, la realización de las máscaras fue guiada por la creatividad de Luis Meneses y Antonio González, el vestuario fue confeccionado por Ilona Mänchen, del diseño de iluminación se encargó Jesús Ávila y en el trabajo de maquillaje y asistencia de maquillaje: Didi Leyba y Karla Mellado, respectivamente.

Al finalizar esta presentación, la Agencia de Noticias 22 realizó una entrevista en exclusiva con Shanti Oyarzábal:

-¿Cómo surge la iniciativa de crear esta danza? ¿La coreografía está inscrita en alguna corriente dancística?

-La iniciativa surge a partir de la celebración de la fiesta de los muertos que hace el grupo Calacas, los días 1, 2, 3 y 4 de noviembre en Berlín. Se celebra entre mexicanos, latinoamericanos y alemanes que están relacionados con este culto. Traté de crear una obra corporal y de ahí salió poco a poco la idea de hacer La danza de la muerte. Es una idea original que no está inmersa en ninguna corriente artística, aunque sí está inspirada de diferentes formas de expresión corporal.

-Háblame un poco acerca de la mitología en la que está inspirada esta danza.

-Esta obra se nutre mucho de la cultura prehispánica, del ídolo de la carita sonriente, las excavaciones de las fosas mortuorias, etcétera; de ahí salen muchos elementos de inspiración y de posiciones de estatuas prehispánicas. Me pregunté cómo podía trabajar estos temas, cómo trabajar a la muerte como un personaje y no como un ser que muere, como una persona muerta, sino darle vida a través del movimiento. Incursionamos en el carácter de la muerte dentro de la cultura popular: siempre viva, juguetona, bailadora, haciendo bromas y sorpresiva; todo esto sumergido completamente en el contexto mexicano.

-¿Por qué es importante conservar la tradición de representar culturalmente a la muerte?

-Viendo esto como mexicano y tomando en cuenta aspectos de cuando presento esta obra aquí, veo que este tema, el representar a la muerte en México, es algo sumamente fuerte. Independientemente de las clases sociales, el público reacciona de una forma muy intensa, todo el mundo está implicado en el culto a la muerte.

Para mí, esto es una aportación diferente a lo que se representa normalmente en relación con la muerte, y creo que contribuye a construir una visión distinta y cargada de todo el bagaje cultural de muchas generaciones.

-Desde tu punto de vista y como actor radicado en Berlín, ¿qué tan distinta es la conciencia mexicana de la muerte en comparación con el imaginario social internacional; ha cambiado a lo largo de los años?

-Es muy difícil generalizar. En México, la muerte es un sincretismo de muchas influencias culturales. Ahora mismo vemos la influencia estadounidense del Halloween, que a su vez es una influencia europea. Varía la opinión según los puntos de vista, sin embargo, es asombroso cómo en México las mezclas se dan de la manera más sorprendente.

-¿Cómo se ve y valora el culto a la muerte en Berlín, a diferencia de en México?

-Es una cosa muy nueva, muy sorprendente. En Alemania la muerte es un tabú, entonces, esa cercanía que se tiene en México, esa familiaridad con la muerte, porque hay que distinguir que una cosa es cómo se representa y lo que se habla de ella y otra cosa es la sensación personal de la muerte, permite conocer una representación totalmente distinta. Es algo que los alemanes no alcanzan a entender, está fuera de su razón, es algo macabro y grotesco de repente, pero no deja de atraerles el culto que aquí se le hace al fenómeno de la muerte.

Shanti Oyarzábal y su equipo de trabajo, gestionaron la presentación de este espectáculo por medio del apoyo de la Delegación Tlalpan. Sin embargo, Oyarzábal comentó que “debido a ciertos ritmos y calendarios de diversas instituciones, además de coordinar desde Berlín una presentación en México, ha sido una labor muy difícil”.

Para conocer más acerca de la obra de Shanti Oyarzábal, visitar: www.shanti-oyarzabal.de, o escribir a: shantioyarzabal@hotmail.com

08/MAG

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“El que expone se expone a un miedo fascinante”

• Se llevarán a cabo conferencias sobre la labor de diferentes artistas en La Esmeralda

Por Israel Pintor

DISTRITO FEDERAL, México, 04/11 (N22).- Bajo la iniciativa de Verónica Rojas, Gerardo Cid y Gabriel Rosas, se realiza en La Esmeralda, Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado, el ciclo de conferencias “El que expone se expone”, un foro con artistas contemporáneos y gente involucrada en el medio: curadores, museógrafos, críticos e historiadores de arte, que tienen como finalidad compartir su trabajo y sus inquietudes con el público interesado.

En este foro abierto a la discusión del quehacer artístico inscrito, sobre todo, en las artes plásticas, cuatro ponentes buscan dar a conocer su obra, sus procesos de trabajo, sus referencias artísticas y sus experiencias en el campo del arte, así como sus intereses, tanto personales como profesionales.

El propósito de esta serie de eventos realizados en colaboración con La Esmeralda (Centro Nacional de las Artes: Río Churubusco 79, Esq. calzada de Tlalpan, Col. Country Club, Coyoacán.) “es construir un vínculo entre el artista que expone su trabajo y se expone abiertamente al espectador; la idea es crear un espacio abierto de reflexión”, expresan los organizadores.

“El que expone se expone” inició la tarde de hoy con la participación de Luis Felipe Ortega: ?artista heterodoxo, sus obras se componen de textos, eventos, ironías y metáforas. Sus textos, videos y fotos son la evidencia de que ha desencadenado procesos, que, vistos con lupa, se articulan en conjunto que describe una obra total?: Abraham Cruzvillegas, del Catálogo VIII Salón de Arte Bancomer, Orden del día.

-¿Qué beneficio artístico o simplemente, qué reacción has obtenido o crees poder obtener al exponer o “balconearte” en tu propia obra? Esto, pensando en sacarle provecho a una cuestión ineludible del quehacer artístico.

-Hay una parte cruel en todo esto: que el primer espectador es uno mismo. Y cuando uno se enfrenta ya a la pieza terminada y realiza una primera lectura a cierta distancia, la cosa cambia radicalmente. En mi caso, eso es lo que busco compartir, más que la obra misma. Y por eso uno se arriesga y expone lo que hace. He vivido casos terribles con piezas terminadas justo en el momento en que se inauguran. Por más estudios que hiciera de esa pieza, no la leí o entendí hasta que estaba en el espacio pensado para qué había sido construida. Y ese tipo de cosas me provocan un vértigo que me fascina. El exponerse implica la posibilidad de no solamente abrir la lectura de la obra, sino de compartir ese momento con los demás espectadores.

La próxima ponencia del este ciclo de conferencias será impartida por José Luis Sánchez Rull, el 12 de noviembre. Según Carlos Ahida en el texto “Protector de los niños”, 2Sánchez Rull ha logrado una original síntesis de referencias temáticas y formales. En el vasto territorio de sus pinturas de gran formato, aglutina una multitud de personajes sustraídos tanto del universo del rock, como de la cultura popular o del outsider art”.

Continuará el ciclo el 20 de noviembre con la participación de Gustavo Prado, fotógrafo, curador y museógrafo del Centro de la Imagen. Ha participado en todas las exhibiciones presentadas en el Centro de la Imagen, así como en la exposición Fotoseptiembre. Es creador del Primer Festival Internacional de Performance (1992) y ha impartido gran variedad de cursos, talleres, conferencias y mesas redondas.

El foro termina el día 21 de noviembre con la participación de Carla Rippey, de quien comentó Olivier Debroise en el artículo “Las tres perversiones de Carla Rippey”: “la pintura como la poesía son obras espontáneas de la imaginación y esto es algo que flota en la superficie de sus cuadros, un andamiaje formal algo perverso que juega con la apariencia fotográfica”.

Todas las conferencias comienzan en punto de la 1 PM. Y son de entrada libre. Para más información, escribir a elqueexpone@gmail.com

08/MAG

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De “rasgos árabes”: más que una muletilla discriminatoria

• Comienza un peculiar congreso que tiene el fin de analizar las influencias culturales de los pueblos allende el Levante

Por Israel Pintor

DISTRITO FEDERAL, México, 03/11 (N22).- Tras los atentados terroristas en Londres los días 7 y 12 de julio de 2005, cuando la policía metropolitana asesinó al brasileño Jean Charles Menezes, presuntamente confundido con el terrorista islamista Husein Osman por sus “rasgos árabes”, la tensión política acumulada en la sociedad londinense se vio aliviada con esta violenta respuesta policial. Más allá del error “indemnizado económicamente” y así “arreglado”, se consideró satisfactoria la actuación policial.

La frase “de rasgos árabes” se extiende desde entonces y, sobre todo después del derrumbe de las torres gemelas en Nueva York y del bombardeo en el subterráneo de Madrid, de tal forma que la cultura árabe es fuente de temores y sospechas de terrorismo.

Los conflictos de Oriente Próximo (Palestina, Irak, Afganistán, Líbano, etc.), vieron aumentado su papel mediático debido a los atentados terroristas en Estados Unidos, Inglaterra y España, y se volvió cotidiano el mal entendimiento y el conocimiento parcial de la cultura árabe, no sólo como lejanía exótica, sino como ?eso otro extraño y aterrador? y no como parte constituyente de lo que somos.

Es a raíz de estos planteamientos que la Red de Centros Culturales de la Agencia Española de Cooperación Internacional para el Desarrollo, a través del Centro Cultural de España en México, realizará, a través del cine, la música y el arte, un ciclo de conferencias bajo el título: “De rasgos árabes.”

Durante cuatro días, del 4 al 7 de noviembre, y tras haber iniciado el mismo ejercicio en Buenos Aires y Sao Paulo, académicos y especialistas nacionales e internacionales pondrán en discusión sus experiencias y reflexiones sobre esta parte de una cultura común que nos enriquece.

En la mañana de hoy, la Agencia de Noticias 22 sostuvo una entrevista con Pedro G. Romero, director del programa, quien, apenas unas horas atrás, descendía de un vuelo proveniente de Sevilla, España y, atendía entusiasta a la prensa en el lobby del Hotel NH del Centro Histórico.

“Este evento pretende activar todos aquellos indicadores que cultural, social y políticamente vinculan a Latinoamérica con el imaginario que entendemos por mundo árabe (…) Queremos poner sobre la mesa de debate el análisis sobre algunos de los indicadores locales que visualizan de forma más clara el conflicto de representación de lo árabe en el contexto mexicano”, explicó G. Romero y añadió:

“El tema se abordará desde tres líneas interpretativas o puntos de vista socioculturales: político, histórico y mitológico. Desde el ascendente geopolítico de los árabes y el Islam desde el Califato Omeya, las cruzadas y el Imperio Turco, hasta las presentes guerras en Irak y Afganistán, el terrorismo de Al-Qaeda o el liderazgo de la República de Irán. Las cuitas identitarias de la emigración procedente de la desintegración del Imperio Otomano desde finales del siglo XIX. Y el sustrato cultural de lo árabe como herencia polémica del reino de España y diversos puntos latinoamericanos donde el islamismo está creciendo rápidamente.”

Una de las presentaciones más destacadas, en tanto se refiere particularmente al contexto mexicano, es Muntadas: On translation: Fear/Miedo/Jouf, del artista Antonio Muntadas, que se compone por dos video proyecciones realizadas en distintos momentos entre las fronteras de México-Estado Unidos y España-Marruecos. El denominador común de ambas es el estudio de los distintos significados del miedo en la frontera.

El programa, compuesto por un total de 11 presentaciones, “se propone establecer un vínculo de trabajo, un núcleo de atracción para distintas iniciativas, producciones y proyectos concordantes; crear una ventana para visualizar las distintas miradas sobre lo árabe en México y en otras zonas de Latinoamérica”, manifestó G. Romero, pues la realización de esta serie de eventos, “es el inicio de un proyecto más grande de exposiciones museográficas, pictóricas, documentales y de arte contemporáneo en general que pretendemos traer a México el año entrante.”

“Tal vez pueda resultar complicado entender la naturaleza de este proyecto. Se tratará de una suerte de método para reconstruir, con rasgos grandes y pequeños, el imaginario que presenta lo árabe en Latinoamérica desde una vertiente amplia, flexible (…) Y sólo podremos comprender la complejidad de estos rasgos si la vemos como un factor positivo que enriquece la perspectiva de nuestra pesquisa. Es difícil aceptar que haya, como tal, una identidad propia de América Latina, de forma que la combinación de todas las variantes contextuales y la diversidad migratoria, va a ser una característica en la construcción de este proyecto; una suma de materiales escasos, frágiles y raros”, agregó Pedro G. Romero.

“Partimos de la idea de que no existe un oriente y trabajamos en un conjunto cultural que se extiende desde la costa del Pacífico americano hasta el Índico arábigo y, que los nexos entre culturas pasan por la colonización hispano portuguesa y su legado moro, las emigraciones de finales del siglo XIX y principios del XX de los denominados turcos y los exilios políticos de la Segunda Guerra Mundial que hacen migrar a palestinos, libaneses y sirios a los países Latinoamericanos.”

Para finalizar la entrevista, Pedro G. Romero, recordó que “este proyecto no es sobre los árabes, el Islam, o ese otro diferente y extraño, sino se trata sobre nosotros mismos, sobre la identidad compleja que representamos todos sobre la construcción de subjetividades y el mundo objetivo que conforman.”

La entrada es gratuita, aunque será de cupo limitado. Y se llevará a cabo en las instalaciones del Centro Cultural de España en México (Guatemala 18, Centro Histórico). Consulte el programa de conferencias: entrar a www.derasgosarabes.org

08/AA

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Vlady: sólo comparable a Rembrandt en el aguafuerte

• Digitalizarán los cuadernos de bocetos del artista

Por Israel Pintor

DISTRITO FEDERAL, México, 27/10 (N22).- Recientemente se inauguró la exposición Aguafuertes de Vlady, una muestra de 50 estampas realizadas bajo la técnica del aguafuerte por Vladimir Kibalchich Russakov, mejor conocido como Vlady en el Centro que lleva su nombre: Goya 63, Col. Insurgentes Mixcoac.

Vlady destacó entre Orozco, Siqueiros y Rivera, grandes artistas plásticos nacionales. Hoy, se considera que su obra muralística marcó una corriente distinta, tal vez unida a sus contemporáneos mexicanos por el trabajo de Tamayo; también se reconoce ampliamente su maestría y proliferación en la técnica del aguafuerte.

En el marco de la exposición antes mencionada, que se divide en dos salas: una sobre obras varias del artista (autorretratos y figura humana) y otra sobre el tema del erotismo, el Centro Vlady organiza un ciclo de conferencias y mesas redondas entorno a la estampa y la gráfica (ver calendario al final de la nota); se realizarán durante el mes de octubre y noviembre.

La semana pasada comenzó este ciclo con la mesa “Talleres de estampa, los impresores de Vlady”; en ella participaron Enrique Cattaneo, catedrático de la Universidad de Morelos y actual ayudante en el rescate de la obra de Vlady; Emilio Payán, eximpresor y amigo del artista; y José Luis Farías, antiguo impresor y colaborador en la realización de bocetos y litografías para el mural de la Biblioteca Lerdo de Tejada.

La Agencia de Noticias 22 sostuvo una entrevista posterior a la mesa redonda, en la que también participó Víctor Salomón, director del Centro Vlady y Mariano Grimaldo, uno de los curadores de la exposición. Según Salomón, esta muestra está basada en que “Vlady pensaba que el grabado era tan importante como la pintura.”

El artista plástico, nacido en 1920 y fallecido en 2005, trabajó muy influido por las ideas gráficas de Rembrandt. Igual que éste, valoró al grabado tanto como a la pintura o el dibujo: “Llegó a comprar grabados a precios mucho más elevados que los de una pintura”, comentó Salomón.

-¿Qué razones podrían aclarar mejor la igualdad entre el valor o importancia de la estampa, en particular el aguafuarte, con la pieza original de la que se inspira para reproducirse?

Enrique Cattaneo contestó:

-El dominio del dibujo fue importantísimo para Vlady; eso fue lo que más le admiró a Rembrandt. En ese sentido, casi nunca le importó el medio para reproducir la estampa, sino la creación de la estampa misma como forma de expresión. Cada pieza de grabado es una pieza original, sí, hay una sola placa de la que posteriormente se imprimen las reproducciones, pero ninguna de esas impresiones es igual y cada una va firmada y seriada como pieza original. Es por eso que Vlady destacó siempre la importancia del grabado.

-¿Cómo fue trabajar con Vlady y, desde su punto de vista, cómo influye Rembrandt en su obra?

José Luis Farías contestó: “Trabajar con él fue toda una experiencia. Era una persona muy exigente. Lo interesante de Vlady era trabajar todo a una sola tinta en la técnica que mejor desarrolló y en distintos tiempos de quemado. Aunque lo más importante para él fue el dibujo en el grabado, para eso él se pintaba solo. Fue un gran admirador de Rembrandt y, diría yo, es su único rival en cuanto a la realización artística en la técnica del aguafuerte.”

“La línea, más que la mancha, era el elemento favorito para Vlady. Por eso el aguafuerte fue su técnica. Y el dominio del dibujo fue importantísimo para él, tal vez eso también fue lo que más le admiró a Rembrandt”, agregó Cattaneo.

-¿A qué podría deberse la proliferación de la obra de Vlady bajo la técnica del aguafuerte?

Emilio Payán contestó: “Con el aguafuerte puedes lograr perfectamente los claroscuros. La técnica del aguasuave, decía Vlady, es para los flojos. Vlady fue su propio impresor. Ningún paso le era ajeno en el proceso para realizar un aguafuerte, yo le ataño a eso su maestría.”

-¿Cuáles fueron los criterios de selección para la exposición, por qué dedicar una sala completa al tema del erotismo?

Mariano Grimaldo contestó: “Al ser dos salas, el primer criterio fue elegir las joyas de la corona. Aquellas piezas que por su contenido y calidad técnica, merecieran ser expuestas en el breve espacio con que contamos. Dividimos la exposición en dos salas, una de carácter más didáctico que aborda varios temas y explicara el proceso de realización del aguafuerte porque, dentro de las técnicas de grabado, ésta requiere más tiempo y tratamientos más finos; y otra con un tema que para Vlady fue apasionante: el erotismo. Hicimos este acento en el erotismo, porque para un hijo de la revolución soviética y las diversas revoluciones latinoamericanas que dedica gran parte de su obra al tema del cuerpo y al erotismo, fue un gran acierto no abordar el asunto desde un punto de vista vulgar, más enfocado al sentimiento: la ternura, el amor, la pasión. Vlady concentra sus esfuerzos con el erotismo especialmente con el grabado, por eso dedicarle una sala a esto.”

-¿De qué manera se trabajó en la reciente restauración del mural de Vlady en la Biblioteca Lerdo de Tejada? Con esto se celebró el 80 aniversario de la biblioteca.

Víctor Salomón contestó: “Fue más limpieza que restauración, porque afortunadamente el mural de Vlady está muy bien pintado, él era muy cuidadoso y escrupuloso en eso. El problema en algunas paredes era de humedad, de atrás para delante, de la piedra al fresco, pero eso se arregló con facilidad. Te diría, muy coloquialmente, que a prácticamente todos los murales se les dio una buena sacudida. Pero según entiendo, el mural no necesitaba un gran trabajo de restauración.”

-¿Qué otros planes tiene el Centro Vlady en cuanto al catálogo de obras o la realización de otros proyectos culturales o exposiciones plásticas?

-Estamos trabajando en la digitalización de todas las libretas de Vlady. La familia nos donó todos sus cuadernos, nosotros los tenemos bajo resguardo. El maestro siempre traía un cuaderno, se la pasó dibujando cuanto pudo. Además escribía, algo que pocos saben. Él nos decía que comenzó a escribir cuando murió su padre porque se había dado cuenta que, a partir de ese momento, había dejado de tener un interlocutor. Entonces escribió bajo la necesidad de establecer un diálogo consigo mismo que lo ayudara a comprenderse como lo hacía su propio padre, agregó Salomón, y abundó:

“La digitalización de los cuadernos de Vlady es un trabajo que nos tomará muchos años, pero ya estamos trabajando en ello. Incluso ahora exponemos uno de los libros de Rembrandt sobre el que Vlady dibujó varios de sus bocetos. Esperamos pronto poder realizar una exposición digital de los cuadernos más representativos de Vlady. Por otra parte, queremos darle vida a todas las técnicas que enriquecieron el trabajo de Vlady, entre ellas, por supuesto, el aguafuerte. Pronto iniciaremos un taller de esta técnica aquí en el centro. Queremos hacer crecer la tradición entre los jóvenes.”

El ciclo de conferencias en el marco de la exposición Aguafuertes de Vlady, continuará con El aguafuerte de Vlady y la crítica de arte con Mario Raúl García Jiménez, el 30 de octubre, a las 7 PM; El aguafuerte en México y Vlady en la tradición de la gráfica, con Othón Téllez y Hugo Covantes, el 6 de noviembre, a las 7 PM; El mercado de la estampa y la gráfica, con Gustavo Aróniz, el 13 de noviembre a las 6 PM; y Las técnicas de la estampa contemporánea, con José Castro Leñero y Mario Rangel, el 27 de noviembre a las 7 PM.

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